lunes, 3 de diciembre de 2012

SOBRE "¿Quién me quita lo bailado?" HAN DICHO:

"Me gustaron muchas cosas de la pieza. Me pareció una obra de los ejecutantes mucho más que una obra de texto. (...) esa visión me permite ubicarla, digamos, en una naturaleza cercana al espíritu de la ejecución jazzistica.

Disfruté en general de la calidad de los bailarines y en particular de la belleza poética de ciertas escenas. La espalda fue una de ellas. (...) Finalmente, la aparición del Canon X al final de la pieza me pareció muy lograda. De una parte, se crea una continuidad muy sugestiva con el mundo de autómatas musicales creado previamente en la banda sonora por las cajas de música. Por otro lado, al estar asociado a la escena de los espejos y del paso del tiempo se carga de sentido su estructura contrapuntística (un canon retrógrado de velocidades)"

OSVALDO BUDÓN (compositor, docente de composición EUM-UdelaR)


ESCRITOS EN EL CUERPO: ¿Quién me quita lo bailado? parece ser un ensayo eterno escrito en el cuerpo de los bailarines-actores. Cuando las historias personales y los recuerdos se desentienden de las palabras que acorralan y organizan nuestros discursos, parece quedar el cuerpo danzando, la palabra se convierte en voz y la música en sonido. Todo regresa a un lugar más infantil, por tanto más primordial. Y todo parece ser más liberador y más divertido.
 
Todo regresa: donde hubo pasos de danza ahora hay pies, donde hubo melodía ahora hay acordes, donde hubo una canción cantada ahora hay sonidos, donde hubo una coreografía ahora hay piernas retorcidas.
 
Con
¿Quién me quita lo bailado? comprendí que desentendidos de las palabras que nos obligan a resiginificar cuestiones como el tiempo, el recuerdo, el paso del tiempo y la vejez, otros lenguajes se escriben, que desentendidos de las palabras quedan los cuerpos, buscando la luz, huyendo de la sombra, que quizá seamos una mismidad que no le gusta mirarse al espejo y que sólo lo hace cuando se reconoce inscribiéndose definitivamente en el espacio y el tiempo. Solo espacio y tiempo.

Nelson González Catardo (actor, director)


" (...) locura de dar libertad para que los seres cuenten sus historias, sus sueños, sus dolores, sus recuerdos [enhebrados] de una forma tan brillante, sutil y respetuosa. Un verdadero espectáculo de amor, respeto y armonía... Una función en donde la luz, la música y la plástica están armónicamente en una fiesta de demostración de  vidaaaaaaaaaaaaaa"

Jorge Heller (bailarín, coreógrafo)



miércoles, 14 de noviembre de 2012

KALIBÁN USINA TEATRO presenta:



¿QUIÉN ME QUITA LO BAILADO?
Dramaturgia escénica de Diana Veneziano
a partir del trabajo con el elenco y los diseñadores


Funciones 
 30 de noviembre y 1 de diciembre  - 21:30 hs
                              2 de diciembre – 20:00 hs

MUSEO DEL CARNAVAL
Rambla 25 de agosto 218

Localidades en Red UTS y boletería del teatro: $ 200
Bonificadas (solo em boletería del teatro): 2 x 1 para socios ADDU, SUA, estudiantes de
danza y de teatro, jubilados y tarjeta joven.


Dirección: Diana Veneziano
Elenco: Luciano Álvarez / Ana Corti / Margarita Fernández

Equipo técnico:
Diseño de Vestuario: Sergio de los Santos
Diseño de Iluminación: Ivana Domínguez
Diseño de espacio escénico: Ivana Domínguez y Sergio de los Santos
Producción: Gustavo Moraes

Proyecto seleccionado y subvencionado por el fondo MONTEVIDEO CIUDAD TEATRAL
2012 de la Intendencia Municipal de Montevideo.
Apoyan: Escuela Universitaria de Música, Casa de Cultura “Daniel Fernández Crespo”, COFONTE, Brecha, Radios Sodre, TV Ciudad, TNU.


video

lunes, 13 de agosto de 2012


ELENCO


LUCIANO ÁLVAREZ / Montevideo, 1942

Bailarín, cantante y actor. Formación en Danza Clásica Académica, en Danza Jazz en el Luigi's Jazz Centre (Nueva York) y con la Maestra Noemí Coelho (Buenos Aires). Actor egresado de la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD). Estudió canto en la Escuela Nacional de Arte Lírico (ENAL - MEC) y con la maestra Cecilia Latorre. Integró el Cuerpo de Baile del SODRE desde1968 hasta 1997, el Coro de la Escuela Municipal de Música desde 2002 hasta 2005 y el Coro de la Plaza bajo la dirección del Maestro Francisco Simaldoni desde 2006 hasta 2008. Interviene como coreuta en varias óperas organizadas por la Sociedad Uruguaya Pro-Ópera. Actor en programa de extensión cultural para estudiantes, bajo la dirección de César Díaz.


MARGARITA FERNÁNDEZ / La Habana, 1945


Bailarina, coreógrafa y docente (integrante de Kalibán Usina Teatro desde 2006).
Estudió Ballet en la Academia Municipal de Ballet de La Habana. Graduada en Psicología Social en la Escuela Pichón Rivière de Psicología Social de Montevideo. En Uruguay ha participado en cursos de Danza Contemporánea a cargo de Mary Minetti, Iris Mouret y Graciela Figueroa, y de Teatro, con Alberto Restuccia. Participó en cursos y seminarios de Expresión Corporal y Danza con maestros nacionales e internacionales, taller de Dramaturgia y Dirección con Omar Grasso; talleres sobre el Objeto en el teatro con Ismael Moreno y Ana Corti; de danza Butoh con Miguel Jaime, Rhea Volij y Seminaru (integrante del grupo japonés Sankai Juku). Integró el Cuerpo de Baile del Teatro Lírico de La Habana y del Ballet Nacional de Cuba. Trabajó como bailarina, coreógrafa, preparadora corporal y asistente en espectáculos de danza y teatro en Uruguay, bajo la dirección de Mary Minetti, Iris Mouret, Graciela Figueroa, Alberto Restuccia, Stella Rovella, Diana Veneziano y en elencos del interior del país. Fue docente del Laboratorio teatral "Reacción 23" de Kalibán Usina Teatro, bajo la coordinación de Diana Veneziano. Es docente de Expresión y Entrenamiento Corporal I y II en la carrera de Actuación de la EMAD, y de Expresión Corporal del Elenco Municipal de Canelones y en diversas escuelas y centros de Montevideo y el interior del país.

ANA CORTI / Montevideo, 1946


Docente de Movimiento Corporal, música e investigadora de los campos expresivos teatrales y musicales. Se formó en Gimnasia Consciente por el Método Bayerthal y en otras disciplinas corporales con maestros nacionales e internacionales; y en canto, oboe y flauta dulce, con maestros uruguayos y norteamericanos (entre otros con la Maestra Marta Sánchez). Fue oboísta en la Banda Sinfónica de Maracaibo y, docente de oboe en la Sinfónica Juvenil de Venezuela; docente de flauta dulce en la Escuela de Música del Instituto Crandon, en el Centro para las Artes y en PEMU (Primera Escuela de Musicoterapia);Fue docente corporal en escuelas de teatro de Montevideo y el interior, siendo cofundadora de la Escuela de Acción Teatral Alambique. Es encargada del Curso en Sensibilización Corporal en la Escuela Universitaria de Música (EUM - UdelaR), participando además en proyectos multidisciplinarios para la viabilidad de la Facultad de Artes (UdelaR). Dicta talleres y seminarios corporales para estudiantes y profesionales de teatro y música y para profesionales de la salud, realizando una síntesis personal e integradora de las disciplinas descritas.



OTRO REFERENTE...



LA DANZA BUTO

La danza buto japonesa, danza  contemporánea creada por Tatsumi Hijikata en la década del 60 fue otro de los referentes importantes en nuestra investigación a nivel actoral, principalmente a través del trabajo desarrollado por los bailarines Kazuo Ono, Carlota Ikeda y el grupo Sankai Juku.

“Cuando un niño acostado busca sentarse, su centro de gravedad se desplaza de una forma ininterrumpida y una danza comienza. Es este proceso el que me interesa. El buto no es una técnica sino un método para alcanzar, a través del cuerpo, los orígenes de la existencia y responder a la pregunta: ¿Quiénes somos?”  
Ushio Amagatsu (director de Sankai Juku)

Revelar “la vida interior o los aspectos de la vida cotidiana que se nos escapan y afrontar los miedos originales”
Tatsumi Hijikata

“Una fuerza me mueve cuando bailo. Soy movido. En el bunraku, la marioneta baila y el manipulador la mira.”
Kazuo Ono
“Mi problema no es mover o no mover mi cuerpo, sino cómo mantener una tensión, relajarla, y así despertar la emoción”
Carlotta Ikeda

domingo, 12 de agosto de 2012

DICCIONARIO



PARA SABER QUE ES
'un guanajo', 'una panetela'
Y HASTA 'un chiffonier'

¡HAY QUE IR A VER "¿QUIÉN ME QUITA LO BAILADO?" EL 22 O EL 23 DE AGOSTO A LA SALA ZAVALA MUNIZ DEL TEATRO SOLÍS! http://www.teatrosolis.org.uy/uc_2093_1.html

viernes, 10 de agosto de 2012

ESPACIO ESCÉNICO: fundamentación


En  “¿Quién me quita lo bailado?”  no hay una escenografía construida para la obra, el espacio escenográfico está constituido por los objetos manipulados por los personajes  y por la luz.
La primera aparición de los personajes en escena sirve para situarnos en el mismo espacio en donde están los espectadores, sin ocultamientos, sin disfraz; para luego transformarse en los diferentes lugares por donde nos lleva la obra, pero a partir de ese espacio vacío.
La noción de 'alfombra' que plantea Peter Brook en sus reflexiones sobre “El espacio vacío” son bien claras en la forma espacial de “¿Quién me quita lo bailado?”; funcionando la luz como alfombra.
Ha sido también inspirador el trabajo de Gordon Craig en cuanto al espacio y al movimiento, sobre todo en sus experiencias con la bailarina Isadora Duncan.*
Entonces decidimos trabajar en cámara negra, con un límite bien claro marcado por la luz; entre un adentro y un afuera. Los personajes salen y entran de éste espacio de luz; y a la vez,  la luz del afuera, de los bordes, va invadiendo toda la escena hacia el final de la obra.
El espacio escénico contiene solamente tres sillas, un varal con vestuario, espejos y luces que funcionan como objetos escenográficos. El movimiento de los actores por el espacio también va a modificar la alfombra, en constante diálogo con la luz.

IVANA DOMÍNGUEZ y SERGIO de los SANTOS

(*) “…Una forma simple y austera asciende con prolongada paciencia como el despertar de una idea en un sueño. Algo parece desplegarse, algo parece plegarse. Despacio…
Pliegue a pliegue se va abriendo y se cierra hasta que lo que era vacío toma forma.
Y ahora, de este a oeste, una cadena de vida se mueve como el mar ante nosotros…
Sin arquitectura no tendríamos ningún lugar divino en el que rezar.
Sin música ninguna voz divina con la que rezar.
Sin movimiento, ningún acto divino que representar.” Gordon Craig, escritos sobre la escena, 1907.


martes, 7 de agosto de 2012

Diana Veneziano, DIRECTORA


Actriz, directora teatral y docente. Miembro fundador de Kalibán Usina Teatro.


Estudió la Licenciatura en Artes en la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela (UCV) y de Actuación en la EMAD. Cursó la Maestría en Teoría e Historia del Teatro en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación de la UdelaR.

En la EMAD es docente de Teoría de la Puesta en Escena I, II, III y IV en las carreras de Actuación y Diseño, y fue docente de Teoría de la Dirección Escénica I y II en el curso de especialización en Dirección y de Teoría de la Dramaturgia Escénica en el curso de especialización en Dramaturgia.
Fue docente de Teoría Teatral y Creación Escénica en la Escuela de Acción Teatral Alambique y de Actuación para la Asociación de Teatros del Interior (ATI). Fue coordinadora del Laboratorio Teatral  “Reacción 23” de Kalibán Usina Teatro.

Trabajó experimentalmente con Antunes Filho en el Centro de Pesquisas Teatrais (CPT) en San Pablo (Brasil) como actriz, asistente, directora y monitora.

Participó en los Seminarios de Dirección a cargo de Eugenio Barba en Montevideo y Buenos Aires, en los Talleres Internacionales de la Escuela Internacional de Teatro para América Latina (EITALC) en Paraná (Argentina), en el CEntro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT) en Buenos Aires y Caracas, así como en la XII Sesión Internacional de la International  School of Theatre Antropology (ISTA) en Bielefeld (Alemania).  Realizó talleres con Duccio Belluggi, Jean Jacques Lemêtre, Maurice Durozier y Jeremy James (Théâtre du Soleil), La Zaranda, Ricardo Bartís, Mauricio Kartún, Jay Scheib, Flavio Stein, Guillermo Heras, Georges Laferrière, Theodorus Terzopoulos, George Banu, Stephan Yaran, Boris Koslowski, Hans-Ties Lehmann, entre otros.

Como actriz trabajó en Venezuela, Brasil y Uruguay, siendo dirigida por Carlos Giménez del Grupo Rajatabla en Caracas, Antunes Filho del Centro de Pesquisas Teatrais de San Pablo (Brasil), y en Uruguay por Nelly Goitiño y Sandra Massera, entre otros.

En 1994 funda  Katakumba Teatro y desde 1999 es miembro fundador de Kalibán Usina Teatro, con el cual abrió públicamente el Parque Cultural Quinta de Santos.

Escribe, adapta y/o traduce los textos teatrales que dirige en forma experimental con su grupo.
Dirigió con Katakumba Teatro: “Vals Nº 6” de Nelson Rodrigues y “Urbania, la ciudad sin fin” de Luis Masci.

Con Kalibán Usina Teatro dirigió “El viaje de Atanor”, dos creaciones colectivas dirigidas al público infantil (“El cuarto reino” y “El secreto del dragón”), “Recuerdos que han soñado”  y “Adiós que me voy”, todos de su autoría.

Dirigió a los Anfitriones de Museos en la Noche (MEC), a los actores en la Celebración callejera El entierro de Don Alonso Quijano, el bueno (dirección de Sergio Luján), las intervenciones teatrales sobre Mayo del 68 y sobre el Bicentenario de la Junta Departamental.

Dictó conferencias, seminarios teórico-prácticos y demostraciones de trabajo en diversos encuentros teatrales y de danza.

Recibió varias nominaciones a los premios Florencio (Revelación, Dirección, Texto de autor nacional, Mejor espectáculo infantil) y el Premio del Ministerio de Educación y Cultura para el montaje de un espectáculo.

Actualmente es Gestora del Centro Cultural Terminal Goes.

lunes, 6 de agosto de 2012

ÁREA VISUAL DE KALIBÁN USINA TEATRO


SERGIO MARCELO DE LOS SANTOS 
Montevideo, 1969
Diseñador teatral (integrante de Kalibán Usina Teatro desde 2006).
Estudió Arquitectura en la UdelaR. Es egresado de la carrera de Diseño Teatral de la EMAD, donde también realizó un Posgrado de investigación metodológica bajo la dirección de Nelly Goitiño.
Participó del Curso de Perfeccionamiento en Vestuario de época, en el Centro de Tecnología del Espectáculo de Madrid.
Participó en cursos, talleres y seminarios  de Dramaturgia, Vestuario, Teoría del Arte, Escenografía con destacadas figuras nacionales e internacionales (Mauricio Kartún, Soledad Capurro, Alfredo Torres, Clío Bugel, J.C. Serroni, Osvaldo Reyno, Claudio Goeckler, entre otros).
Diseñó vestuario, escenografía y/o iluminación en espectáculos de danza y teatro, dirigidos por Diana Veneziano, Marcel Sawchik,  Gustavo Gadea y Barbara Ferrario, Fulvio Ianneo, Héctor Rovella, Nelson Flores, Sergio Luján, Noelia Burlé, Alejandra Aceredo, Richard Riveiro, Germán Milich, Ariel Caldarelli.
Fue encargado del Área Visual del Laboratorio teatral “Reacción 23” de Kalibán Usina Teatro, bajo la coordinación de Diana Veneziano. Está asociado y participa de las actividades del Centro de Arte Textil del Uruguay (CETU) y es miembro honorario de la WTA (World Textil Art Organization).
Es Ayudante de Cátedra  en el curso Realización de Vestuario de la  carrera de Diseño Teatral de la EMAD. Fue Asistente Académico en la Escuela Universitaria de música, encargado de la Gestión y Coordinación del Teatro de la Facultad de Artes (UdelaR). Es Asistente de Escenario en el Teatro Solís.

IVANA DOMÍNGUEZ 
Montevideo, 1977
Diseñadora teatral (integrante de Kalibán Usina Teatro desde 2006).
Es egresada de la carrera de Diseño Teatral de la EMAD, con  especialización en Escenografía e Iluminación. Fue seleccionada para las Pasantías de varias Temporadas de Ópera en el Teatro Solís, en el área de utilería, maquinaria y vestuario.
Cursó el Posgrado de Especialización en Lenguajes Artísticos Combinados en el Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA) de Buenos Aires. Participó de cursos y talleres sobre Dramaturgia, Puesta en Escena e Iluminación con figuras nacionales e internacionales (entre ellos, Silvio Lang, del Equipo Técnico del Teatro Colón).
Se formó en el área audiovisual de la Escuela de Cine del Uruguay (ECU), realizando diversos talleres y seminarios.
Tuvo a su cargo la Dirección artística y técnica del Proyecto Espacio Cultural Galpón del Molino en Pueblo Garzón; y fue encargada del Área Visual del Laboratorio teatral “Reacción 23” de Kalibán Usina Teatro, bajo la coordinación de Diana Veneziano.
Fue Técnica en sala y montajista de la Sala de Exposiciones “Plataforma” del MEC.
Diseñó la iluminación de espectáculos de danza y teatro bajo la dirección de Diana Veneziano, Verónica Steffen, Carolina Silveira y Florencia Varela;  y de espectáculos musicales de Orgánica y La Saga. En el área audiovisual realizó diversos trabajos  de iluminación y fotografía para Canal 10 y productoras independientes.

Actualmente trabaja en el Área de Coordinación de Operaciones de TV Ciudad. 

REFERENCIAS VISUALES DEL VESTUARIO en "¿Quién me quita lo bailado"

FOCUS MAP

domingo, 5 de agosto de 2012

OBJETIVOS Y FUNDAMENTACIÓN DE "¿Quién me quita lo bailado?"


¿QUIEN ME QUITA LO BAILADO?



Objetivos:


A través de este tercer espectáculo del grupo, enmarcado en la línea de trabajo sobre la memoria, los recuerdos y los sueños, queremos hablar de tres seres que, llegados a la vejez, nos ofrecen su vida y su mundo de recuerdos poetizados por el tiempo y de sueños posibles o imposibles, queridos, imaginados, deseados.

Elegimos a dos bailarines con formación clásica porque en ellos el paso del tiempo es un elemento clave desde el punto de vista profesional y artístico. La crueldad del tiempo se ve acentuada. Pero, a través de ellos, queremos hablar de lo humano, y de lo humano hoy.  Es decir, de la crueldad existente en esa búsqueda frenética de la juventud y, en particular, de la juventud del cuerpo. Época de cirugías e implantes en la que, vertiginosamente se llega hasta la deformación del propio cuerpo pero, sobre todo, hasta la pérdida del verdadero sentido de la vida y del tiempo. Reivindicamos pues, las arrugas cargadas de vida y de historias, de densidades y resonancias, en definitiva, de misterio y de encanto. Como las arrugas a las que hace referencia Peter Brook cuando habla del espacio: esa pátina del tiempo que le da humanidad e historia vivida. O como dice Richard Schechner, cuando habla de los pliegues de las ciudades, de sus márgenes. Reivindicamos también, el cansancio, la memoria diferente del cuerpo y de la mente, la profundidad que adquieren un gesto, una acción o una palabra, simples, cargados de vida. Pero sobre todo reivindicamos la vida intensa, digna, apasionante de tres artistas viejos. Sí, esa es la palabra, maravillosa, tierna y cariñosa con que nos vamos a referir cuando hablemos de estos tres seres. Sin eufemismos.
Queremos, también, referirnos a los espectadores. Siguiendo el camino comenzado con “Recuerdos que han soñado”, pretendemos ampliar el concepto de lo escénico a través de mecanismos de creación, construcción y concreción que integren otros lenguajes con el fin de posibilitar una experiencia viva de encuentro entre los creadores y los espectadores.  Buscamos una mayor libertad en la percepción del espectador, a través de la creación de vacíos, huecos e intersticios, abriendo así un mundo de posibilidades interpretativas, receptivas y asociativas. El espectáculo se debe ofrecer, entonces, como un lugar de conmoción, reflexión y participación, por medio de la asociación libre del espectador, a partir de sus vivencias personales y de sus propias resonancias.

Fundamentación:


A través de estos personajes, viejos, se tocan temas inherentes a lo humano desde un lenguaje poético que busca producir una experiencia, un encuentro con el otro a través de lo sensible.

Decíamos en el programa del primer espectáculo de esta trilogía, “Recuerdos que han soñado”:

“En la búsqueda de nuestra identidad encontramos restos de lo que somos, de lo que heredamos, de lo que nos queda, de lo que queremos o soñamos ser. (…) Recuerdos y sueños, pedazos de cosas con los que cada uno arma su propia historia, su identidad. (…) La memoria y el tiempo eligen, modifican, distorsionan e imaginan esos restos-recuerdos-sueños, hilvanándolos y deshilvanándolos, construyendo ese tejido, ese mapa de identidades, ese laberinto en el cual se cruzan, (…) nuestros recorridos con los de los otros.”

Este nuevo espectáculo trata también de la memoria y de los sueños, en este caso de tres viejos: dos bailarines de formación clásica y una música. Ellos desnudan sus almas mostrando sus pliegues, sus cicatrices y sus pasiones. En esos pliegues, en las arrugas de las cosas, de los seres y del espacio, está el misterio de la vida, el tiempo y sus resonancias, la densidad y la espesura del alma.
A través del lenguaje metafórico del teatro-danza, se revelan misterios, sentimientos y vínculos de estos tres seres.
Se muestra lo efímero y a la vez permanente de la danza para el bailarín y de la música para el músico. Se instala el amor a través de imágenes y situaciones cargadas de fragilidad, ternura, belleza y humor.
La obra expone cómo un cuerpo sabio atravesado por los años y un espíritu joven dispuesto al juego, con deseos, construyen una corporeidad en una combinación perfecta.
En nuestra sociedad se impone, cada vez más vertiginosamente y desde una exterioridad superflua, la juventud y la belleza como valores en sí. Valores que perseguimos incansablemente, no importa a qué costo, llegando a la deformación del propio cuerpo. Proponemos la belleza y el virtuosismo del alma y de cuerpos cargados de vida y memoria, de experiencias, de densidades.

“En la danza debemos acumular el peso del mundo.”
Kazuo Ono , bailarín de danza buto.

sábado, 4 de agosto de 2012


"Las cosas están enterradas en el fondo del río de la vida. En la madurez, oportunamente se desprenden y suben a la superficie, como burbujas de aire."

Iberé Camargo

''¿Quién me quita lo bailado?'' 


Reseña:

A través de este tercer espectáculo del grupo enmarcado en la línea de trabajo sobre la memoria, los recuerdos y los sueños, queremos hablar de tres seres que, llegados a la vejez, nos ofrecen su vida y su mundo de recuerdos poetizados por el tiempo y de sueños posibles o imposibles, queridos, imaginados, deseados.
Elegimos a dos bailarines con formación clásica porque en ellos el paso del tiempo es un elemento clave desde el punto de vista profesional y artístico. La crueldad del tiempo se ve acentuada. Pero, a través de ellos, queremos hablar de lo humano, y de lo humano hoy. Es decir, de la crueldad existente en esa búsqueda frenética de la juventud y, en particular, de la juventud del cuerpo.
Reivindicamos pues, las arrugas cargadas de vida y de historias, de densidades y resonancias, en definitiva, de misterio y de encanto. Reivindicamos también el cansancio, la memoria del cuerpo en contraste con la memoria de la mente, la profundidad de un gesto, una acción o una palabra simples pero cargados de vida. Pero sobre todo reivindicamos la vida intensa, digna, apasionante de tres artistas viejos. Sí, esa es la palabra, maravillosa, tierna y cariñosa con que nos vamos a referir cuando hablemos de estos tres seres. Sin eufemismos.
Este nuevo espectáculo trata de la memoria y de los sueños, en este caso de tres viejos: bailarines y música. Ellos desnudan sus almas mostrando sus pliegues, sus cicatrices y sus pasiones, revelando misterios, sentimientos y vínculos por medio del lenguaje metafórico del teatro-danza. Se tocan temas inherentes a lo humano desde la poesía de la escena que busca producir una experiencia, un encuentro con el otro a
través de lo sensible.
Se muestra lo efímero y a la vez permanente de la danza para el bailarín y de la música para el músico. Se instala el amor a través de imágenes y situaciones cargadas de fragilidad, ternura, belleza y humor.
La obra expone cómo un cuerpo sabio atravesado por los años y un espíritu joven dispuesto al juego, con deseos, construyen una corporeidad en una combinación perfecta.
En nuestra sociedad se impone, cada vez más vertiginosamente y desde una exterioridad superflua, la juventud y la belleza como valores en sí. Valores que perseguimos incansablemente, no importa a qué costo, llegando a la deformación del propio cuerpo. Proponemos la belleza y el virtuosismo del alma y de cuerpos cargados de vida y memoria, de experiencias, de densidades.

MIÉRCOLES 22 Y JUEVES 23 DE AGOSTO, 21:00 HS - SALA ZAVALA MUNIZ

Teatro + danza en la Zavala

Kalibán Usina Teatro y Moraes_Susaeta presentan''¿Quién me quita lo bailado?'', con dramaturgia escénica deDiana Veneziano. La obra expone cómo un cuerpo sabio atravesado por los años y un espíritu joven dispuesto al juego, con deseos, construyen una corporeidad en una combinación perfecta. Entradas próximamente en venta.

El valor de las localidades es de $ 250. Bonificadas: 2 x $ 300 ó $ 170 individuales para socios ADDU, SUA, estudiantes de danza y de teatro, jubilados y tarjeta joven.
Ficha técnica:
Dirección: Diana Veneziano
Elenco: Luciano Álvarez / Ana Corti / Margarita Fernández

Equipo técnico:
Diseño de Vestuario: Sergio de los Santos
Diseño de Iluminación: Ivana Domínguez
Diseño de espacio escénico: Ivana Domínguez y Sergio de los Santos
Producción: Gustavo Moraes

Proyecto seleccionado y subvencionado por el fondo MONTEVIDEO CIUDAD TEATRAL 2012 de la Intendencia de Montevideo.

http://www.teatrosolis.org.uy/uc_2093_1.html